香港剧场导演胡恩威／在口号泛滥的时代， 有自觉才会自由

这样的现象，在国际都会香港与新加坡尤其明显，“读完之后，小朋友是否真的认识自己？其实一个社会的变化是否也是这样？”在他看来，读书是一种思维运动，本就不该追求舒服，当教育服务化，“全部关系都很虚伪，不能说学生，要赞学生，就像消费主义广告都在哄你买东西，它蔓延到教育，这是近十年我觉得很奇怪，也是不能逆转的潮流。”

又是消费主义的梦幻陷阱。

“反观亚洲其他没那么发达的地方，他们面对教育的态度不同，教育是生存问题，年轻人要更加面对现实——读书是为了找工。所以未来我觉得两种社会出现的人才会不一样。”

教育是社会发展之本。在香港，他看见且忧虑的是，教育环境太舒服，没把技能锻炼好，导致年轻人离开校园后，似乎很难入行。

“我个人经常觉得，很多事情是技术决定的，当你总说，不是技术决定的，态度可以决定，这不就是虚伪咯。你把态度讲得那么大，但是你可以做的技能很小……还包括很多大环境的改变，这是一个系统性、组织性的问题。”

教育现场灌入奶油；艺术场域也有它的虚伪。

艺术不能改变社会，什么才能？

谷歌胡恩威，简介头衔有“亚洲艺术科技剧场先驱”“跨界剧场与多媒体剧场先锋”云云；进念·二十面体从来也是重视实验的戏剧团体。拥有实验精神的前瞻性，他说，这是香港大环境允许的。

“不同社会有不同状态。香港本身有它的开放性，概念上是可以实验很多不同的东西，观众也能接受。香港在亚洲中间，可以吸纳不同文化，很受日本影响，也受欧美影响，所以我们都在寻找一个自己的方式去（实验）。”

实验不是任性，而是正视现实的限制。

他常说，实验和现实，都有一个“实”字，“你要知道框框在哪里，才知道自己在实验什么。如果不了解局限，你说我想做什么就做什么，很多时候那就是一个比较自我的东西。”

面对现实，剧场空间设计是一个框框，“这个空间是用来娱乐、教育，还是允许比较开放的东西？”政府也会架起很多框框，“城市规划要建多少剧场？怎么拿演出牌照？还有很多安全问题。”观众的局限又是一个框框，“我们在消费主义社会，很容易随着一些数据去告诉你，这是好的，大家就跟吧。跟是ok的，最糟糕是变成另一种东西。”

也没什么好抱怨，“流量数据这些事，你讲也没用，没得讲。现在创作好像to be or not to be，究竟我要参与流量的游戏，还是继续所谓自我的追寻？”流量的游戏，他不抗拒玩，“但是要诚实咯，即是不要用艺术包装流量。现在很多艺术都是一种假象，经常有人说要发声，要改变社会；以前某个时期可能可以，现在艺术改变不了社会，科技就行。”

时代在变，影响社会核心的领域也会改变。“所以科技也在改变着艺术。”

科技不就是一种技能，渐渐被态度虚掩的技能，“你有什么技术，就能做到什么出来。但有些人不是嘛，他们用意识形态做艺术，那就变成是一种gesture。”

在剧场尝试不同的实验 打破四方框

不好空有姿势，所以拥抱科技。

事实上，所谓的沉浸式体验，胡恩威已经实验好多年，最新作品《唔讲得》更是香港首部将5.5G网络技术引入剧场的剧目——随着情节铺开，演员会在台上打开手机录像，捕捉自己或他人，手机荧幕同步投影在舞台大屏幕，让观众可以多角度观看演员的表演，打破剧场舞台肉眼可见与不可见的四方框。

打造沉浸式体验，也不是只有仰赖科技，“这次我把布景设计推到最前，尽量拉近演员与观众的距离。”种种安排都是别有用意。“因为《唔讲得》剧本是讲着人与人的关系，所以想要有一种‘近近跟你讲’的感觉，让观众甚至可以投入到某些角色里，而不是很抽离地去观察。”

《唔讲得》改编自上海话剧艺术中心艺术总监喻荣军原著舞台剧《不可说》。戏里，丈夫是脑神经外科医生，妻子是脑神经内科医生，两人对话密集，却没有真正交流，有天老同学突然来访，揭开隐埋多年的秘密……而所谓的真相，不断在舞台上推翻、变形，直至人人都看见自己心中的黑色乌鸦。

“这不是很典型的剧本，我做的实验有几个层面，一是用科技去呈现；另外，我第一次在上海看《不可说》，是普通话，当时我觉得，如果对白变成广东话，会有很多黑色幽默，是普通话没有的。广东话有很多发音的方式、语气，都会将意思扭曲，因为广东话有种暧昧性，有时一不一定是一，二不一定是二。这次我也在实验广东话这个语言。”

2025年5月，他率领叶童、黄德斌等人来马出演《唔讲得》，KLPAC的空间设计，又把演员和观众的距离拉得更近，“更加engaging”，观众反应也不一样，笑声莫名更多，“我在上海看的版本，很严肃很deep，没人笑。香港首映有少少笑，但也没像大马观众这么开心。我觉得很得意，跟语言有关，跟大家看戏的心情有关，也跟剧场空间有关。”

剧场存在的理由

剧场是一个立体空间；有别于在影院看戏，看的始终是平面布幕。

“在室内在室外？空气闷不闷？观众可不可以走来走去？坐得远坐得近？观众坐的位置不同，看到的情景也不同，剧场特别就在这里。”有建筑系背景的他说，“跟建筑的概念一样，剧场也在处理时间和空间。做导演，就是要将这些元素组合出一个空间，给演员发挥。”

剧场这个空间所承载的功能，来到今天似乎渐渐失重。

“20年前，剧场就是社交媒体本身，不同社群走进去表达自己的看法；现在有了社交媒体，剧场用来发声的功能弱化了。现在问题最有趣是，社媒已经代替很多艺术的功能，以前艺术是去分析社会、批评社会，现在没有了。艺术还有什么呢？大家要去摸索。”跟着又丢出一句，“其实发声很容易变成发泄，现在发泄是主流嘛。”人人陷入流量的游戏。

流量为先的商业生态反倒简单，“而我们做实验的，永远都在社会边缘，所以永远要去处理很多框框的问题，看到的东西很现实，那就会明白多一些，”什么我要改变社会，什么人人都是艺术家，他笑说，“我又不会说是谎言，不过不是现实咯，只是广告口号咯。”

剥掉所有广告口号，剧场还剩下什么？

“是的，所以要重新想想，”他想到的是real time real space，这是手机成瘾的时代，越来越珍贵的体验。“剧场是现场，是真的，手机不是嘛，你可以暂停，你可以分段，抖音影片看100次都一样，但剧场演员的表演，每一场都会有点不同。

“这就是为什么剧场还relevant，为什么剧场还需要存在。我们就继续在工作范围里去做实验，至于会不会和更多观众产生更大的互动，就不是单靠自己可以决定。”

在框框里继续玩出无限的可能？——是一句用来翻篇对话的敷衍注解；胡恩威把它抓住，不疾不徐回话：这也是一句广告口号。

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